我一直认同，一个真正的艺术大家，不光要在艺术上表现出让人垂涎的才华，其为人的厚重品格也是其重要的积淀。与沙老师认识已有多年，说起来很是有缘。之前多次在朋友处听闻，却未得见其人。后得与相识，确又成为忘年交，拜称为沙兄。我觉得自己很幸运，友不贵多，得一人，可胜百人；友不论久，得一日，可喻千古；友不择时，得一缘，可益一世.
沙正鑫的山水画线条流畅，既有扎实的传统绘画工底，又有自己独特的创作手法。再者，如今在中国画坛中能兼及书、画、印的确实不多，而沙正鑫的篆刻、书法都得过全国大奖。可沙兄依然好客交友，没有一点架子，每次相聚，都会自己下橱，把酒言谈。他那忠厚朴实的性格，从他的每幅绘画作品中也反映出来。看画如见人，人正气画正。老沙画的山水都带有古意，也是通俗的文人画。从画中反映老沙对艺术的严紧，而又不居紧匡线有开拓有创意，实属是艺术的学者！
沙老师为人心胸宽广，对艺术的见解独到、锐利。每次交谈，都能受益匪浅。他不但绘事能做到自成一家，还不断想出新点子，策划了很多有影响力的展览。尽管他经常一再推脱，想把精力到放到绘画上来，但还是经常被聘请为评委和展览总策划。
美是心灵沉醉于高贵情感的状态。对一个艺术家来说，只有在获得蔑视王冠与财富那样的心灵自由后，美，才能真正呈现。而艺术则是感应美的一种语言形式。因此，一切急功近利应景式的、假大空的作品，即使题材很大，画面复杂，有时还很能符合现实政治利益实用主义的需要，吹捧声又震耳欲聋，但毕竟缺乏艺术内在的生命力。自然天成的作品，才是令人豁然开朗的最高境界。他认为，中国画的创作理念可以大致分为两类，即“以心造境”和“因境写心”，两者偏重不同，但又殊途同归。前者是以不变的创作风格去改造所有的对象，即按照自己作品类型的需要，进行素材的取舍，这类作品更加自我，在形式上似乎更加自由，也更容易形成某种固定的程式而被视为一个画家的风格。他将自己归于后一类画家，追求师法自然，讲求“外师造化，内得心源”，在遵从自然法度的前提下表达自己的情感与追求。从技法上看，这类画家更注重传统的继承，并追求在传统的范畴内进行创新。他始终坚持艺术的发展自有其内在的发展规律，比如从写实到抽象的发展固然表现为一种升华，然而这并不意味着抽象画就一定比具象画作品更高级，相反，每一个阶段都有其不同的高度，都有其各自不同的尺度与标准并形成一座座高峰。一个画家，能在此基础上有所突破，则意味着创新，一个人的一生能在某一个方面做出自己的一点点贡献就非常了不起。我们在一起，经常交谈关于传统与创新的问题。他说传统问题是一个永恒的谈资，但又是一个永无止境、生生不息的谈资。其实，它何止是谈资。传统之于画作，可能是一种风格；传统之于画家，可能是一种行为；传统之于时代，可能是一种文化。从当下中国画的创作考察，这个永恒的问题可能被你问到了现状的痛疾。正是因为当下对司空见惯问题的麻木，重新提及才更有意义。传统是有时代性的。传统不是一成不变的东西。过去有首诗叫：“江山代有才人出，各领风骚数百年”。传统就是这样。
绘画风格的变化，最初的悟觉往往来自鲜活的生活的直接启示并由此而产生的联想，生活不但给予他创作以灵感、思想与素材，同时也推动了他绘画语言的探索的原动力，生活的激情促使了艺术表现的升华，并最终导致个人风格的形成。沙老师经常说新意就是创造、是画家心灵的表达与体现。创新绝不意味着随心所欲，他对那些逸笔草草、信手拈来的所谓现代作品不以为然，认为那是无源之水、无根之木，是不会真正有生命力的。真正的创造永远是相对于某种传统而言的一种继承之后的突破，是在传统与自然之上营造的一种全新的精神产品。所以，每一幅画都应当是作者内心某种情绪的真诚流露和形象表达。
对一个当代的中国画大师而言，有责任对中国艺术精神，乃至人类文化进程进行深刻的反思。以唯美之路与哲思之路穿行者的角色，以他们非凡的艺术思想、艺术才能和人生智慧、高贵品格去影响和引领他们的时代文化。
艺术是生命的延伸，并非是疏离生命的人为的手工雕琢。艺术创作不能没有人文情怀，不能失去对社会的观察和体验。
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