赵巍｜《心中的宝石》创作心得

在室内完成的架上油画，依然是目前油画创作的主流形式，但创作油画的过程，个人感觉不再受速写与素描训练必须经历的限制，目前互联网时代的电脑、手机工具化的普及对创作过程构思的优化起到了重要的作用。

相较于历来人们选择从素描写生或色彩训练，到当代的艺术创作，素材来源呈现出了前所未有的多样性，我在创作《心中的宝石》这幅作品，素材就来源于淘宝网上一幅商品展示图，色彩平淡，拍摄普通，如图：

我作画起稿时采用厚色直接画法，色彩的倾向性也是在蓝调为主的画面上力求主观，边画边构思，随心所欲地完成了这幅《心中的宝石》油画：

在创作这幅画的时候，用了许多比较当代的手法，最初，我是用扇形笔从暗部通过整体、大块的色彩进行上色，这不同于古典的方式一层层透明上色，在第二遍时用较干的色彩画一遍主观色彩，上第三遍色时则用古典的薄油的画法画在第二遍饱和色之上，之后又不断地通过上透明油色与饱和色交替进行透叠来体现石头的质感与肌理，如下方这个视频：

这是在绘画过程中拍摄的一步步深入的过程，当画家赋予了它心中的宝石的模样，呈现的颜色就是以主观的构思赋予作品的模样。在自然界可能并不存在对比色呈现在一块石头上：一半红一半绿，也许这是违背自然规律的，紫与黄、蓝与橙对比色并存的石头全都汇聚在一起，这样的巧合也不一定有，这是画家心中的所思所想，是心中的宝石。

对自然界并不存在的石头进行这样的处理，虽然不符合常理但却又是符合大众审美的情理。人们审美的标准，就好似买衣服，一件被挑中的衣服往往不是女生去商场之前事先在脑海中想好的，而是在逛时装店的过程中突然发现的，而这种漫无目的发现获得的却是直击心门、难以割舍的契合和喜爱。

这就好比喜欢自己的这幅作品，是因为我在创作时是带有一种设计师设计石头的感觉，虽然事先没有确定成品应该是什么样子，但是在创作的过程中，作品往往会无限接近于自己的审美标准，也因此，在作品呈现的时候能让观众感到漂亮与美丽。

这幅画采用一种全新的创作方式，追求愉悦、时尚的色调，符合普通大众的审美需要，而不是业内喜闻乐见的高级灰调子或者是沉闷厚重的色调，以这样的油画语言去表达，是最通俗的审美。

因此这幅画也传达着画家想要把油画艺术拉下神坛的愿望，希望艺术不再是纯粹的学院派或贵族阶级欣赏的感觉，希望将西方艺术引入东方大国的同时，能与我们东方人对艺术的理解进行融会贯通，从而能让普通人产生审美共鸣，只有这样艺术才有广泛的传播性和接受度，才能让艺术真正为大众服务，而这也正是画者最大的自我安慰。

创作这幅画的一个很大的目的就是想告诉大众，学院派的油画教学并不是唯一的艺术道路，如学油画必须要扎实的素描基本功或速写类练习，现在的创作完全可以摒弃掉前面的可有可无的学习过程，我的画室中找不到一枝铅笔，油画教学强调：色到形准！

在我看来，当下随手拍摄就是一张高清图像，为何还要练习速写，因循守旧于几根线条，中国画传承的的梅兰竹菊，成为永恒的花鸟画基础，为什么不能顺应当代的存在，画出全新嫁接的新植物新蔬菜。

我们需要思考中国画为什么走不出国门无法被西方诸国的大多数人接受？过于因循守旧，躺在雕虫小技的功劳簿上不思进取，没有去接受当代科技、互联网等普及运用对艺术表现题材的影响。

我的工作是策划师也是设计师，一切以创意为纲，所以很清楚艺术要跟上时代发展的重要性，科技引领着我们，就相当于物质决定意识一样，我们的意识需要跟上时代。

所以在我们这个时代，怎么能一成不变地要求画者从早到晚地练习素描、速写，甚至把大量时间花在排线条涂明暗上，创作素材来源的多样性使艺术的门槛会低很多，也就使大众都能参与艺术创作活动。

未来十年，将文化和创意领域提升到了一个新的高度，在这方面上中国要在世界领域崛起，就必须要解放思想，如若还因循守旧，就会让陈丹青说的话成为现实：“让梵高来考中国当代的美术学院是考不进的。”

纵观数十万学子参加美院高校入学考的作品，水果、陶罐，千篇一律的公式化作品，断送了孩子们的创造力，也葬送了他们对艺术的感悟和信心，大学毕业生就业率低也就不足为奇了。

如果不懂得如何嫁接生活和艺术的桥梁，也就没有了创意的火花和作品的生命。这也是为什么我作为一个社会活动家、策划师、设计师……注重将生活中所涉猎到的东西融汇到作品中兼容并蓄，如美学的基本知识理论、现代软件的发展运用。

真正的艺术品拥有大众都能认可的美，且艺术价值远高于如深圳大芬村所画的流水线操作的行画，真正的艺术品是画者心中自我审美标准的流露，是蕴含丰富的学识和内涵的表现，也是极其庞杂的信息量的聚集和浓缩，甚至可以说是能给人以精神滋养的营养干货。

艺术需要不断否定昨天，所以我画完这幅《心中的宝石》后，后续很可能不会再进行类似的创作，而是开始继续探索新的创作素材形式或表现形式。艺术本身应该是没有风格的，不局限于单一的风格才能将自己的所思所想所历以更契合的形式展现，才能成就真正的艺术。